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Émile Zola - Escritos sobre Manet
Abada, 192 págs. $ 11.000
Los escritos que Émile Zola dedica a la defensa pública del pintor Manet se extienden desde 1866 hasta 1884, constituyéndose en una atalaya privilegiada para apreciar en todos sus matices cómo el pintor va introduciéndose en “el mundo del arte” y cómo éste va transformándose a lo largo del XIX.

Émile Zola - Escritos sobre Manet

Abada, 192 págs. $ 11.000

Los escritos que Émile Zola dedica a la defensa pública del pintor Manet se extienden desde 1866 hasta 1884, constituyéndose en una atalaya privilegiada para apreciar en todos sus matices cómo el pintor va introduciéndose en “el mundo del arte” y cómo éste va transformándose a lo largo del XIX.

Walter Benjamin - Calle de dirección única.
Abada, 96 págs., $ 11.000
Este libro, acabado en septiembre de 1926, se publicó por primera vez en Alemania en enero de 1928. La idea de reunir en libro los aforismos que iba entonces escribiendo se le ocurrió a Benjamin a finales de 1924. Sus principales temas son: la catastrófica situación económica de Alemania, la rememoración de la infancia y la ciudad de parís. El segundo de estos temas daría lugar más adelante al libro titulado Infancia en Berlín hacia el 1900, mientras que el tercero prosiguió en el proyecto Pasajes.

Walter Benjamin - Calle de dirección única.

Abada, 96 págs., $ 11.000

Este libro, acabado en septiembre de 1926, se publicó por primera vez en Alemania en enero de 1928. La idea de reunir en libro los aforismos que iba entonces escribiendo se le ocurrió a Benjamin a finales de 1924. Sus principales temas son: la catastrófica situación económica de Alemania, la rememoración de la infancia y la ciudad de parís. El segundo de estos temas daría lugar más adelante al libro titulado Infancia en Berlín hacia el 1900, mientras que el tercero prosiguió en el proyecto Pasajes.

Fredric Jameson - El postmodernismo revisado.
Abada, 104 págs., $ 11.000
¿Es salvar al capitalismo el objetivo fundamental de la socialdemocracia?, ¿vivimos en un mundo en el que el curator de una exposición es más creativo que el artista?, ¿qué relación hay entre los derivados financieros, la cultura y el sujeto postmoderno?, ¿son lo mismo «globalización» y «postmodernidad»? Este libro responde al deseo de Fredric Jameson de actualizar algunas de las tesis que expuso en su célebre ensayo de 1984 sobre el postmodernismo. Para ello analiza fenómenos inequívocamente contemporáneos dando muestras de su habitual perspicacia. Y lo hace manteniendo la perspectiva política que desde el comienzo de su carrera ha guiado sus interpretaciones. El resultado es un texto que aborda cuestiones tanto filosóficas como económicas, que se ocupa de aspectos relativos a la estética y a la política. Que trata, en fin, de poner nombre al presente sin renunciar a la posibilidad de transformarlo.

Fredric Jameson - El postmodernismo revisado.

Abada, 104 págs., $ 11.000

¿Es salvar al capitalismo el objetivo fundamental de la socialdemocracia?, ¿vivimos en un mundo en el que el curator de una exposición es más creativo que el artista?, ¿qué relación hay entre los derivados financieros, la cultura y el sujeto postmoderno?, ¿son lo mismo «globalización» y «postmodernidad»? Este libro responde al deseo de Fredric Jameson de actualizar algunas de las tesis que expuso en su célebre ensayo de 1984 sobre el postmodernismo. Para ello analiza fenómenos inequívocamente contemporáneos dando muestras de su habitual perspicacia. Y lo hace manteniendo la perspectiva política que desde el comienzo de su carrera ha guiado sus interpretaciones. El resultado es un texto que aborda cuestiones tanto filosóficas como económicas, que se ocupa de aspectos relativos a la estética y a la política. Que trata, en fin, de poner nombre al presente sin renunciar a la posibilidad de transformarlo.

Jean Starobinski - Retrato del artista como saltimbanqui.
Abada, 120 págs., $ 16.000.
Desde el romanticismo, el bufón, el saltimbanqui y el payaso han sido imágenes hiperbólicas y a propósito deformantes, con las que los artistas han querido mostrarse a sí mismos y exponer la propia naturaleza del arte. Se trata de un autorretrato encubierto, cuya intención no se limita a la caricatura sarcástica o dolorosa. Una actitud tantas veces repetida, que se reinventa de forma tan obstinada a lo largo de tres o cuatro generaciones, no debe pasar desapercibida a nuestra atención. El juego irónico se emplea como interpretación de uno mismo por sí mismo: es una epifanía ridícula del arte y del artista. La crítica a la honorabilidad burguesa tiene, así, su equivalente en la autocrítica dirigida contra la propia vocación “estética”, uno de los componentes que se debe reconocer como característico de la “modernidad”, desde hace algo más de cien años. Jean Starobinski nació en Ginebra en 1920. Sus estudios de letras y de medicina en la universidad de Ginebra le han llevado a explorar a la vez la vía de la historia de las ideas, de la literatura y de la medicina, así como la de la crítica literaria y artística. Miembro del Institut de France y de la Academia de Ciencias Morales y Políticas francesa, así como de otras academias europeas y americanas, entre sus libros, traducidos a una docena de lenguas, cabe destacar Jean-Jacques Rousseau. La transparence et l’obstacle (1957), L’invention de la Liberté (1964), 1789. Les emblèmes de la Raison (1973), Montaigne en mouvement (1982). La mélancolie au miroir. Trois lectures de Baudelaire (1990), Les enchantereses (2005).

Jean Starobinski - Retrato del artista como saltimbanqui.

Abada, 120 págs., $ 16.000.

Desde el romanticismo, el bufón, el saltimbanqui y el payaso han sido imágenes hiperbólicas y a propósito deformantes, con las que los artistas han querido mostrarse a sí mismos y exponer la propia naturaleza del arte. Se trata de un autorretrato encubierto, cuya intención no se limita a la caricatura sarcástica o dolorosa. Una actitud tantas veces repetida, que se reinventa de forma tan obstinada a lo largo de tres o cuatro generaciones, no debe pasar desapercibida a nuestra atención. El juego irónico se emplea como interpretación de uno mismo por sí mismo: es una epifanía ridícula del arte y del artista. La crítica a la honorabilidad burguesa tiene, así, su equivalente en la autocrítica dirigida contra la propia vocación “estética”, uno de los componentes que se debe reconocer como característico de la “modernidad”, desde hace algo más de cien años. Jean Starobinski nació en Ginebra en 1920. Sus estudios de letras y de medicina en la universidad de Ginebra le han llevado a explorar a la vez la vía de la historia de las ideas, de la literatura y de la medicina, así como la de la crítica literaria y artística. Miembro del Institut de France y de la Academia de Ciencias Morales y Políticas francesa, así como de otras academias europeas y americanas, entre sus libros, traducidos a una docena de lenguas, cabe destacar Jean-Jacques Rousseau. La transparence et l’obstacle (1957), L’invention de la Liberté (1964), 1789. Les emblèmes de la Raison (1973), Montaigne en mouvement (1982). La mélancolie au miroir. Trois lectures de Baudelaire (1990), Les enchantereses (2005).

Jean Marie Schaeffer - ¿Qué es un género literario?
Akal, 128 págs., 2006, $ 14.000
Nada más simple, y al mismo tiempo más complejo, que un enunciado en el que se remita un texto a «su» género. Desde Ariosto a Brunetière pasando por Hegel, los poetas han buscado el milagro de una teoría unitaria de los géneros literarios. Decir que La Princesa de Clèves es un relato, o que El Perfume es un soneto, es, desde luego, dar un nombre y una clasificación a estos textos, pero siguiendo lógicas muy distintas –en el primer caso poniendo en juego la ejemplificación de una propiedad, y en el segundo la aplicación de una regla. Esta sencilla observación deja entrever la radical y desconcertante conclusión a la que llega este libro: la pluralidad de las lógicas «genéricas» es irreductible. Por eso, Jean-Marie Schaeffer pasa una página de la historia de la poética. Sin embargo, ya no se podrá actuar como si un texto no fuera, primero y ante todo, un acto de lenguaje, o como si la filosofía no tuviera nada que aportar a la teoría literaria.

Jean Marie Schaeffer - ¿Qué es un género literario?

Akal, 128 págs., 2006, $ 14.000

Nada más simple, y al mismo tiempo más complejo, que un enunciado en el que se remita un texto a «su» género. Desde Ariosto a Brunetière pasando por Hegel, los poetas han buscado el milagro de una teoría unitaria de los géneros literarios. Decir que La Princesa de Clèves es un relato, o que El Perfume es un soneto, es, desde luego, dar un nombre y una clasificación a estos textos, pero siguiendo lógicas muy distintas –en el primer caso poniendo en juego la ejemplificación de una propiedad, y en el segundo la aplicación de una regla. Esta sencilla observación deja entrever la radical y desconcertante conclusión a la que llega este libro: la pluralidad de las lógicas «genéricas» es irreductible. Por eso, Jean-Marie Schaeffer pasa una página de la historia de la poética. Sin embargo, ya no se podrá actuar como si un texto no fuera, primero y ante todo, un acto de lenguaje, o como si la filosofía no tuviera nada que aportar a la teoría literaria.

Peter y Christa Burger - La desaparición del sujeto. Una historia de la subjetividad de Montaigne a Blanchot.
Akal, 344 págs., 2001, $ 22.000
A la certeza del “pienso, luego existo” responde Pascal con su “el yo es detestable”. La alternancia entre establecimiento y cuestionamiento del sujeto atraviesa la Modernidad desde el siglo XVII. Retorna tanto con Sartre como con el surrealismo. Partiendo de la Dialéctica de la Ilustración así como de las obras de Foucault, se preguntan los autores por la posibilidad de una Historia de la subjetividad analizando textos de Montaigne a Barthes. La desaparición demuestra ser una experiencia tan polimorfa como ambivalente del sujeto moderno, acentuada en el caso de la mujer por la interesada indeterminación en que fue dejada la subjetividad femenina en la modernidad. El “ennui”, la histeria y la mística arrebatadoramente erótica, frente al coraje de la propia afirmación “aquí y ahora”, dan testimonio de la ambivalencia de este conflicto.

Peter y Christa Burger - La desaparición del sujeto. Una historia de la subjetividad de Montaigne a Blanchot.

Akal, 344 págs., 2001, $ 22.000

A la certeza del “pienso, luego existo” responde Pascal con su “el yo es detestable”. La alternancia entre establecimiento y cuestionamiento del sujeto atraviesa la Modernidad desde el siglo XVII. Retorna tanto con Sartre como con el surrealismo. Partiendo de la Dialéctica de la Ilustración así como de las obras de Foucault, se preguntan los autores por la posibilidad de una Historia de la subjetividad analizando textos de Montaigne a Barthes. La desaparición demuestra ser una experiencia tan polimorfa como ambivalente del sujeto moderno, acentuada en el caso de la mujer por la interesada indeterminación en que fue dejada la subjetividad femenina en la modernidad. El “ennui”, la histeria y la mística arrebatadoramente erótica, frente al coraje de la propia afirmación “aquí y ahora”, dan testimonio de la ambivalencia de este conflicto.

Sigmund Freud - La Interpretación de los sueños.
Akal, 656 págs., 2013, $ 18.000
En 1899 Freud publicaba por primera vez la obra que sería considerada como la más importante, representativa e influyente de su toda su producción: La interpretación de los sueños. Con ella daba inicio a una nueva disciplina, el psicoanálisis, que proponía el modo a través del cual acceder al inconsciente tomando elementos de las experiencias vividas. Por primera vez se introdujo el concepto del Yo y los sueños fueron objeto de un estudio científico. Gracias al método propuesto por Freud, pudieron interpretarse los contenidos de aquellos, generalmente como la representación de deseos latentes. La interpretación de los sueños es un libro fundamental para quienes quieran conocer o profundizar en las teorías del padre de psicoanálisis.  

Sigmund Freud - La Interpretación de los sueños.

Akal, 656 págs., 2013, $ 18.000

En 1899 Freud publicaba por primera vez la obra que sería considerada como la más importante, representativa e influyente de su toda su producción: La interpretación de los sueños. Con ella daba inicio a una nueva disciplina, el psicoanálisis, que proponía el modo a través del cual acceder al inconsciente tomando elementos de las experiencias vividas. Por primera vez se introdujo el concepto del Yo y los sueños fueron objeto de un estudio científico. Gracias al método propuesto por Freud, pudieron interpretarse los contenidos de aquellos, generalmente como la representación de deseos latentes. 
La interpretación de los sueños es un libro fundamental para quienes quieran conocer o profundizar en las teorías del padre de psicoanálisis.  

Gyorgy Lukacs - Marx, ontología del ser social.
Akal, 224 págs., 2007, $ 8.000
Filósofo húngaro, político y crítico literario, György Lukács (1885-1971) es considerado uno de los intelectuales marxistas más influyentes del siglo pasado. Marcado por la filosofía de Kant y Weber, su obra, fundamental para la interpretación de las teorías de clase y la alienación del trabajo, influiría en el pensamiento de grandes figuras de la política del siglo XX como Ernesto Che Guevara. La ontología del ser social es una obra que no sólo renueva la tradición de la gran filosofía clásica, sino que también permite extender los intereses filosóficos a ramas de la ciencia que se habían mantenido al margen en la reflexión filosófica contemporánea. Ningún otro filósofo, antes que Lukács, ha colocado tan fuertemente el énfasis sobre el trabajo como principio de hominización. La presente traducción se ha realizado del original en alemán de su obra póstuma La ontología del ser social.

Gyorgy Lukacs - Marx, ontología del ser social.

Akal, 224 págs., 2007, $ 8.000

Filósofo húngaro, político y crítico literario, György Lukács (1885-1971) es considerado uno de los intelectuales marxistas más influyentes del siglo pasado. Marcado por la filosofía de Kant y Weber, su obra, fundamental para la interpretación de las teorías de clase y la alienación del trabajo, influiría en el pensamiento de grandes figuras de la política del siglo XX como Ernesto Che Guevara. La ontología del ser social es una obra que no sólo renueva la tradición de la gran filosofía clásica, sino que también permite extender los intereses filosóficos a ramas de la ciencia que se habían mantenido al margen en la reflexión filosófica contemporánea. Ningún otro filósofo, antes que Lukács, ha colocado tan fuertemente el énfasis sobre el trabajo como principio de hominización. La presente traducción se ha realizado del original en alemán de su obra póstuma La ontología del ser social.

Heinrich Von Kleist - El cántaro roto. Terremoto en Chile. La marquesa de O.
Akal, 128 págs., 2006, $ 7.000
El mezquino juez Adán recibe en su juzgado un caso singular: averiguar quién ha destrozado un cántaro en el dormitorio de la joven Eva, y el principal sospechoso es su prometido Ruprecht. Sin embargo, el auténtico causante no es otro que el mismo juez Adán, quien se valdrá de las más grotescas argucias para salvaguardar su supuesta inocencia en esta extraordinaria comedia. Por su parte, “El terremoto en Chile” narra las desventuras de una pareja de amantes, condenados a muerte por consumar su amor en el jardín de un convento en el que habían internado a la joven para apartarla de su amado. Por último, el lector encontrará la historia de la marquesa de O…, que ha quedado en estado sin comprender cómo ha podido suceder acontecimiento tan llamativo. Presentamos así una representativa selección de uno de los autores más relevantes del romanticismo alemán, cuya propia vida contiene las características que habrán de marcar este movimiento en toda Europa -búsqueda incansable de lo sublime, melancolía y sentimientos extremos o final trágico-, apoyadas en una amplísima formación y en un talento extraordinario.

Heinrich Von Kleist - El cántaro roto. Terremoto en Chile. La marquesa de O.

Akal, 128 págs., 2006, $ 7.000

El mezquino juez Adán recibe en su juzgado un caso singular: averiguar quién ha destrozado un cántaro en el dormitorio de la joven Eva, y el principal sospechoso es su prometido Ruprecht. Sin embargo, el auténtico causante no es otro que el mismo juez Adán, quien se valdrá de las más grotescas argucias para salvaguardar su supuesta inocencia en esta extraordinaria comedia. Por su parte, “El terremoto en Chile” narra las desventuras de una pareja de amantes, condenados a muerte por consumar su amor en el jardín de un convento en el que habían internado a la joven para apartarla de su amado. Por último, el lector encontrará la historia de la marquesa de O…, que ha quedado en estado sin comprender cómo ha podido suceder acontecimiento tan llamativo. Presentamos así una representativa selección de uno de los autores más relevantes del romanticismo alemán, cuya propia vida contiene las características que habrán de marcar este movimiento en toda Europa -búsqueda incansable de lo sublime, melancolía y sentimientos extremos o final trágico-, apoyadas en una amplísima formación y en un talento extraordinario.

Theodor Adorno - Minima moralia. Reflexiones desde la vida dañada.
Akal, 280 págs., 2004. $ 13.000
"Minima moralia", probablemente una de las obras más conocidas de Adorno, fue escrito en su mayor parte en los años finales de la Segunda Guerra Mundial. Con la perspectiva del intelectual en el exilio siempre presente, el autor articula en tres partes y un apéndice un corpus poderoso y coherente de aforismos, teñidos de un profundo sentimiento de desgarro, en los que aborda algunos de los ámbitos favoritos de su pensamiento, como la sociología, la antropología o la estética. El conjunto constituye, sin duda, una de las obras fundamentales de la filosofía de la segunda mitad del siglo XX, que se presenta ahora en una nueva traducción corregida y aumentada.

Theodor Adorno - Minima moralia. Reflexiones desde la vida dañada.

Akal, 280 págs., 2004. $ 13.000

"Minima moralia", probablemente una de las obras más conocidas de Adorno, fue escrito en su mayor parte en los años finales de la Segunda Guerra Mundial. Con la perspectiva del intelectual en el exilio siempre presente, el autor articula en tres partes y un apéndice un corpus poderoso y coherente de aforismos, teñidos de un profundo sentimiento de desgarro, en los que aborda algunos de los ámbitos favoritos de su pensamiento, como la sociología, la antropología o la estética. El conjunto constituye, sin duda, una de las obras fundamentales de la filosofía de la segunda mitad del siglo XX, que se presenta ahora en una nueva traducción corregida y aumentada.

Theodor Adorno - Dialéctica de la ilustración.
Akal, 320 págs., 2007, $ 13.000
Dialéctica de la Ilustración, escrita en colaboración con Horkheimer es una crítica a la razón instrumental, concepto fundamental de este último autor, o, lo que es lo mismo, una crítica, fundada en una interpretación pesimista de la Ilustración, a la civilización técnica y a la cultura del sistema capitalista (que llama industria cultural), o de la sociedad de mercado, que no persigue otro fin que el progreso técnico. La actual civilización técnica, surgida del espíritu de la Ilustración y de su concepto de razón, no representa más que un dominio racional sobre la naturaleza, que implica paralelamente un dominio (irracional) sobre el hombre; los diversos fenómenos de barbarie moderna (fascismo y nazismo) no serían sino muestras, y la vez las peores manifestaciones, de esta actitud autoritaria de dominio.

Theodor Adorno - Dialéctica de la ilustración.

Akal, 320 págs., 2007, $ 13.000

Dialéctica de la Ilustración, escrita en colaboración con Horkheimer es una crítica a la razón instrumental, concepto fundamental de este último autor, o, lo que es lo mismo, una crítica, fundada en una interpretación pesimista de la Ilustración, a la civilización técnica y a la cultura del sistema capitalista (que llama industria cultural), o de la sociedad de mercado, que no persigue otro fin que el progreso técnico. La actual civilización técnica, surgida del espíritu de la Ilustración y de su concepto de razón, no representa más que un dominio racional sobre la naturaleza, que implica paralelamente un dominio (irracional) sobre el hombre; los diversos fenómenos de barbarie moderna (fascismo y nazismo) no serían sino muestras, y la vez las peores manifestaciones, de esta actitud autoritaria de dominio.

Harun Farocki - Desconfiar de las imágenes.
Caja negra, 320 páginas, 2013.
Desde su primer cortometraje en 1966, Harun Farocki ha producido una vasta obra en la que la escritura y el cine son concebidas como actividades complementarias con las que interrogar la producción de imágenes de la sociedad contemporánea. Farocki pertenece a la generación posterior a la de los prominentes directores del “Nuevo Cine Alemán” –como Wenders, Fassbinder y Herzog–, a quienes desde la revista Filmkritik, que dirigió entre 1974 y 1984, acusó de “conformarse con la idea que todo el mundo tenía acerca de lo que se suponía que tenía que ser el cine”. En contraposición a esta tradición, tanto sus películas documentales o ensayos cinematográficos como sus más recientes video-instalaciones hacen uso de recursos formales propios del situacionismo, la nouvelle vague francesa y el cine directo para producir un montaje crítico capaz de denunciar la violencia inscrita en las “imágenes del mundo” generadas por artefactos aparentemente “neutrales” e “inocentes” como las cámaras de vigilancia de los centros comerciales y de las prisiones, los noticieros, las publicidades y los videoclips, los simuladores de combate o las imágenes emitidas por los misiles teledirigidos.
Desconfiar de las imágenes se propone trazar una suerte de “biografía intelectual” a partir de una selección de textos publicados por Harun Farocki entre 1980 y 2010 en revistas, diarios, libros y catálogos de exhibiciones en museos y galerías. Estos ensayos reflejan y extienden los conceptos y líneas de investigación involucrados en su obra cinematográfica, examinando un extenso inventario de dispositivos técnicos y regímenes visuales que, lejos de simplemente representar la realidad, configuran la experiencia que hacemos del mundo contemporáneo.

Harun Farocki - Desconfiar de las imágenes.

Caja negra, 320 páginas, 2013.

Desde su primer cortometraje en 1966, Harun Farocki ha producido una vasta obra en la que la escritura y el cine son concebidas como actividades complementarias con las que interrogar la producción de imágenes de la sociedad contemporánea. Farocki pertenece a la generación posterior a la de los prominentes directores del “Nuevo Cine Alemán” –como Wenders, Fassbinder y Herzog–, a quienes desde la revista Filmkritik, que dirigió entre 1974 y 1984, acusó de “conformarse con la idea que todo el mundo tenía acerca de lo que se suponía que tenía que ser el cine”. En contraposición a esta tradición, tanto sus películas documentales o ensayos cinematográficos como sus más recientes video-instalaciones hacen uso de recursos formales propios del situacionismo, la nouvelle vague francesa y el cine directo para producir un montaje crítico capaz de denunciar la violencia inscrita en las “imágenes del mundo” generadas por artefactos aparentemente “neutrales” e “inocentes” como las cámaras de vigilancia de los centros comerciales y de las prisiones, los noticieros, las publicidades y los videoclips, los simuladores de combate o las imágenes emitidas por los misiles teledirigidos.

Desconfiar de las imágenes se propone trazar una suerte de “biografía intelectual” a partir de una selección de textos publicados por Harun Farocki entre 1980 y 2010 en revistas, diarios, libros y catálogos de exhibiciones en museos y galerías. Estos ensayos reflejan y extienden los conceptos y líneas de investigación involucrados en su obra cinematográfica, examinando un extenso inventario de dispositivos técnicos y regímenes visuales que, lejos de simplemente representar la realidad, configuran la experiencia que hacemos del mundo contemporáneo.

Émile Zola - Escritos sobre Manet
Abada, 192 págs. $ 11.000
Los escritos que Émile Zola dedica a la defensa pública del pintor Manet se extienden desde 1866 hasta 1884, constituyéndose en una atalaya privilegiada para apreciar en todos sus matices cómo el pintor va introduciéndose en “el mundo del arte” y cómo éste va transformándose a lo largo del XIX.

Émile Zola - Escritos sobre Manet

Abada, 192 págs. $ 11.000

Los escritos que Émile Zola dedica a la defensa pública del pintor Manet se extienden desde 1866 hasta 1884, constituyéndose en una atalaya privilegiada para apreciar en todos sus matices cómo el pintor va introduciéndose en “el mundo del arte” y cómo éste va transformándose a lo largo del XIX.

Walter Benjamin - Calle de dirección única.
Abada, 96 págs., $ 11.000
Este libro, acabado en septiembre de 1926, se publicó por primera vez en Alemania en enero de 1928. La idea de reunir en libro los aforismos que iba entonces escribiendo se le ocurrió a Benjamin a finales de 1924. Sus principales temas son: la catastrófica situación económica de Alemania, la rememoración de la infancia y la ciudad de parís. El segundo de estos temas daría lugar más adelante al libro titulado Infancia en Berlín hacia el 1900, mientras que el tercero prosiguió en el proyecto Pasajes.

Walter Benjamin - Calle de dirección única.

Abada, 96 págs., $ 11.000

Este libro, acabado en septiembre de 1926, se publicó por primera vez en Alemania en enero de 1928. La idea de reunir en libro los aforismos que iba entonces escribiendo se le ocurrió a Benjamin a finales de 1924. Sus principales temas son: la catastrófica situación económica de Alemania, la rememoración de la infancia y la ciudad de parís. El segundo de estos temas daría lugar más adelante al libro titulado Infancia en Berlín hacia el 1900, mientras que el tercero prosiguió en el proyecto Pasajes.

Fredric Jameson - El postmodernismo revisado.
Abada, 104 págs., $ 11.000
¿Es salvar al capitalismo el objetivo fundamental de la socialdemocracia?, ¿vivimos en un mundo en el que el curator de una exposición es más creativo que el artista?, ¿qué relación hay entre los derivados financieros, la cultura y el sujeto postmoderno?, ¿son lo mismo «globalización» y «postmodernidad»? Este libro responde al deseo de Fredric Jameson de actualizar algunas de las tesis que expuso en su célebre ensayo de 1984 sobre el postmodernismo. Para ello analiza fenómenos inequívocamente contemporáneos dando muestras de su habitual perspicacia. Y lo hace manteniendo la perspectiva política que desde el comienzo de su carrera ha guiado sus interpretaciones. El resultado es un texto que aborda cuestiones tanto filosóficas como económicas, que se ocupa de aspectos relativos a la estética y a la política. Que trata, en fin, de poner nombre al presente sin renunciar a la posibilidad de transformarlo.

Fredric Jameson - El postmodernismo revisado.

Abada, 104 págs., $ 11.000

¿Es salvar al capitalismo el objetivo fundamental de la socialdemocracia?, ¿vivimos en un mundo en el que el curator de una exposición es más creativo que el artista?, ¿qué relación hay entre los derivados financieros, la cultura y el sujeto postmoderno?, ¿son lo mismo «globalización» y «postmodernidad»? Este libro responde al deseo de Fredric Jameson de actualizar algunas de las tesis que expuso en su célebre ensayo de 1984 sobre el postmodernismo. Para ello analiza fenómenos inequívocamente contemporáneos dando muestras de su habitual perspicacia. Y lo hace manteniendo la perspectiva política que desde el comienzo de su carrera ha guiado sus interpretaciones. El resultado es un texto que aborda cuestiones tanto filosóficas como económicas, que se ocupa de aspectos relativos a la estética y a la política. Que trata, en fin, de poner nombre al presente sin renunciar a la posibilidad de transformarlo.

Jean Starobinski - Retrato del artista como saltimbanqui.
Abada, 120 págs., $ 16.000.
Desde el romanticismo, el bufón, el saltimbanqui y el payaso han sido imágenes hiperbólicas y a propósito deformantes, con las que los artistas han querido mostrarse a sí mismos y exponer la propia naturaleza del arte. Se trata de un autorretrato encubierto, cuya intención no se limita a la caricatura sarcástica o dolorosa. Una actitud tantas veces repetida, que se reinventa de forma tan obstinada a lo largo de tres o cuatro generaciones, no debe pasar desapercibida a nuestra atención. El juego irónico se emplea como interpretación de uno mismo por sí mismo: es una epifanía ridícula del arte y del artista. La crítica a la honorabilidad burguesa tiene, así, su equivalente en la autocrítica dirigida contra la propia vocación “estética”, uno de los componentes que se debe reconocer como característico de la “modernidad”, desde hace algo más de cien años. Jean Starobinski nació en Ginebra en 1920. Sus estudios de letras y de medicina en la universidad de Ginebra le han llevado a explorar a la vez la vía de la historia de las ideas, de la literatura y de la medicina, así como la de la crítica literaria y artística. Miembro del Institut de France y de la Academia de Ciencias Morales y Políticas francesa, así como de otras academias europeas y americanas, entre sus libros, traducidos a una docena de lenguas, cabe destacar Jean-Jacques Rousseau. La transparence et l’obstacle (1957), L’invention de la Liberté (1964), 1789. Les emblèmes de la Raison (1973), Montaigne en mouvement (1982). La mélancolie au miroir. Trois lectures de Baudelaire (1990), Les enchantereses (2005).

Jean Starobinski - Retrato del artista como saltimbanqui.

Abada, 120 págs., $ 16.000.

Desde el romanticismo, el bufón, el saltimbanqui y el payaso han sido imágenes hiperbólicas y a propósito deformantes, con las que los artistas han querido mostrarse a sí mismos y exponer la propia naturaleza del arte. Se trata de un autorretrato encubierto, cuya intención no se limita a la caricatura sarcástica o dolorosa. Una actitud tantas veces repetida, que se reinventa de forma tan obstinada a lo largo de tres o cuatro generaciones, no debe pasar desapercibida a nuestra atención. El juego irónico se emplea como interpretación de uno mismo por sí mismo: es una epifanía ridícula del arte y del artista. La crítica a la honorabilidad burguesa tiene, así, su equivalente en la autocrítica dirigida contra la propia vocación “estética”, uno de los componentes que se debe reconocer como característico de la “modernidad”, desde hace algo más de cien años. Jean Starobinski nació en Ginebra en 1920. Sus estudios de letras y de medicina en la universidad de Ginebra le han llevado a explorar a la vez la vía de la historia de las ideas, de la literatura y de la medicina, así como la de la crítica literaria y artística. Miembro del Institut de France y de la Academia de Ciencias Morales y Políticas francesa, así como de otras academias europeas y americanas, entre sus libros, traducidos a una docena de lenguas, cabe destacar Jean-Jacques Rousseau. La transparence et l’obstacle (1957), L’invention de la Liberté (1964), 1789. Les emblèmes de la Raison (1973), Montaigne en mouvement (1982). La mélancolie au miroir. Trois lectures de Baudelaire (1990), Les enchantereses (2005).

Jean Marie Schaeffer - ¿Qué es un género literario?
Akal, 128 págs., 2006, $ 14.000
Nada más simple, y al mismo tiempo más complejo, que un enunciado en el que se remita un texto a «su» género. Desde Ariosto a Brunetière pasando por Hegel, los poetas han buscado el milagro de una teoría unitaria de los géneros literarios. Decir que La Princesa de Clèves es un relato, o que El Perfume es un soneto, es, desde luego, dar un nombre y una clasificación a estos textos, pero siguiendo lógicas muy distintas –en el primer caso poniendo en juego la ejemplificación de una propiedad, y en el segundo la aplicación de una regla. Esta sencilla observación deja entrever la radical y desconcertante conclusión a la que llega este libro: la pluralidad de las lógicas «genéricas» es irreductible. Por eso, Jean-Marie Schaeffer pasa una página de la historia de la poética. Sin embargo, ya no se podrá actuar como si un texto no fuera, primero y ante todo, un acto de lenguaje, o como si la filosofía no tuviera nada que aportar a la teoría literaria.

Jean Marie Schaeffer - ¿Qué es un género literario?

Akal, 128 págs., 2006, $ 14.000

Nada más simple, y al mismo tiempo más complejo, que un enunciado en el que se remita un texto a «su» género. Desde Ariosto a Brunetière pasando por Hegel, los poetas han buscado el milagro de una teoría unitaria de los géneros literarios. Decir que La Princesa de Clèves es un relato, o que El Perfume es un soneto, es, desde luego, dar un nombre y una clasificación a estos textos, pero siguiendo lógicas muy distintas –en el primer caso poniendo en juego la ejemplificación de una propiedad, y en el segundo la aplicación de una regla. Esta sencilla observación deja entrever la radical y desconcertante conclusión a la que llega este libro: la pluralidad de las lógicas «genéricas» es irreductible. Por eso, Jean-Marie Schaeffer pasa una página de la historia de la poética. Sin embargo, ya no se podrá actuar como si un texto no fuera, primero y ante todo, un acto de lenguaje, o como si la filosofía no tuviera nada que aportar a la teoría literaria.

Peter y Christa Burger - La desaparición del sujeto. Una historia de la subjetividad de Montaigne a Blanchot.
Akal, 344 págs., 2001, $ 22.000
A la certeza del “pienso, luego existo” responde Pascal con su “el yo es detestable”. La alternancia entre establecimiento y cuestionamiento del sujeto atraviesa la Modernidad desde el siglo XVII. Retorna tanto con Sartre como con el surrealismo. Partiendo de la Dialéctica de la Ilustración así como de las obras de Foucault, se preguntan los autores por la posibilidad de una Historia de la subjetividad analizando textos de Montaigne a Barthes. La desaparición demuestra ser una experiencia tan polimorfa como ambivalente del sujeto moderno, acentuada en el caso de la mujer por la interesada indeterminación en que fue dejada la subjetividad femenina en la modernidad. El “ennui”, la histeria y la mística arrebatadoramente erótica, frente al coraje de la propia afirmación “aquí y ahora”, dan testimonio de la ambivalencia de este conflicto.

Peter y Christa Burger - La desaparición del sujeto. Una historia de la subjetividad de Montaigne a Blanchot.

Akal, 344 págs., 2001, $ 22.000

A la certeza del “pienso, luego existo” responde Pascal con su “el yo es detestable”. La alternancia entre establecimiento y cuestionamiento del sujeto atraviesa la Modernidad desde el siglo XVII. Retorna tanto con Sartre como con el surrealismo. Partiendo de la Dialéctica de la Ilustración así como de las obras de Foucault, se preguntan los autores por la posibilidad de una Historia de la subjetividad analizando textos de Montaigne a Barthes. La desaparición demuestra ser una experiencia tan polimorfa como ambivalente del sujeto moderno, acentuada en el caso de la mujer por la interesada indeterminación en que fue dejada la subjetividad femenina en la modernidad. El “ennui”, la histeria y la mística arrebatadoramente erótica, frente al coraje de la propia afirmación “aquí y ahora”, dan testimonio de la ambivalencia de este conflicto.

Sigmund Freud - La Interpretación de los sueños.
Akal, 656 págs., 2013, $ 18.000
En 1899 Freud publicaba por primera vez la obra que sería considerada como la más importante, representativa e influyente de su toda su producción: La interpretación de los sueños. Con ella daba inicio a una nueva disciplina, el psicoanálisis, que proponía el modo a través del cual acceder al inconsciente tomando elementos de las experiencias vividas. Por primera vez se introdujo el concepto del Yo y los sueños fueron objeto de un estudio científico. Gracias al método propuesto por Freud, pudieron interpretarse los contenidos de aquellos, generalmente como la representación de deseos latentes. La interpretación de los sueños es un libro fundamental para quienes quieran conocer o profundizar en las teorías del padre de psicoanálisis.  

Sigmund Freud - La Interpretación de los sueños.

Akal, 656 págs., 2013, $ 18.000

En 1899 Freud publicaba por primera vez la obra que sería considerada como la más importante, representativa e influyente de su toda su producción: La interpretación de los sueños. Con ella daba inicio a una nueva disciplina, el psicoanálisis, que proponía el modo a través del cual acceder al inconsciente tomando elementos de las experiencias vividas. Por primera vez se introdujo el concepto del Yo y los sueños fueron objeto de un estudio científico. Gracias al método propuesto por Freud, pudieron interpretarse los contenidos de aquellos, generalmente como la representación de deseos latentes. 
La interpretación de los sueños es un libro fundamental para quienes quieran conocer o profundizar en las teorías del padre de psicoanálisis.  

Gyorgy Lukacs - Marx, ontología del ser social.
Akal, 224 págs., 2007, $ 8.000
Filósofo húngaro, político y crítico literario, György Lukács (1885-1971) es considerado uno de los intelectuales marxistas más influyentes del siglo pasado. Marcado por la filosofía de Kant y Weber, su obra, fundamental para la interpretación de las teorías de clase y la alienación del trabajo, influiría en el pensamiento de grandes figuras de la política del siglo XX como Ernesto Che Guevara. La ontología del ser social es una obra que no sólo renueva la tradición de la gran filosofía clásica, sino que también permite extender los intereses filosóficos a ramas de la ciencia que se habían mantenido al margen en la reflexión filosófica contemporánea. Ningún otro filósofo, antes que Lukács, ha colocado tan fuertemente el énfasis sobre el trabajo como principio de hominización. La presente traducción se ha realizado del original en alemán de su obra póstuma La ontología del ser social.

Gyorgy Lukacs - Marx, ontología del ser social.

Akal, 224 págs., 2007, $ 8.000

Filósofo húngaro, político y crítico literario, György Lukács (1885-1971) es considerado uno de los intelectuales marxistas más influyentes del siglo pasado. Marcado por la filosofía de Kant y Weber, su obra, fundamental para la interpretación de las teorías de clase y la alienación del trabajo, influiría en el pensamiento de grandes figuras de la política del siglo XX como Ernesto Che Guevara. La ontología del ser social es una obra que no sólo renueva la tradición de la gran filosofía clásica, sino que también permite extender los intereses filosóficos a ramas de la ciencia que se habían mantenido al margen en la reflexión filosófica contemporánea. Ningún otro filósofo, antes que Lukács, ha colocado tan fuertemente el énfasis sobre el trabajo como principio de hominización. La presente traducción se ha realizado del original en alemán de su obra póstuma La ontología del ser social.

Heinrich Von Kleist - El cántaro roto. Terremoto en Chile. La marquesa de O.
Akal, 128 págs., 2006, $ 7.000
El mezquino juez Adán recibe en su juzgado un caso singular: averiguar quién ha destrozado un cántaro en el dormitorio de la joven Eva, y el principal sospechoso es su prometido Ruprecht. Sin embargo, el auténtico causante no es otro que el mismo juez Adán, quien se valdrá de las más grotescas argucias para salvaguardar su supuesta inocencia en esta extraordinaria comedia. Por su parte, “El terremoto en Chile” narra las desventuras de una pareja de amantes, condenados a muerte por consumar su amor en el jardín de un convento en el que habían internado a la joven para apartarla de su amado. Por último, el lector encontrará la historia de la marquesa de O…, que ha quedado en estado sin comprender cómo ha podido suceder acontecimiento tan llamativo. Presentamos así una representativa selección de uno de los autores más relevantes del romanticismo alemán, cuya propia vida contiene las características que habrán de marcar este movimiento en toda Europa -búsqueda incansable de lo sublime, melancolía y sentimientos extremos o final trágico-, apoyadas en una amplísima formación y en un talento extraordinario.

Heinrich Von Kleist - El cántaro roto. Terremoto en Chile. La marquesa de O.

Akal, 128 págs., 2006, $ 7.000

El mezquino juez Adán recibe en su juzgado un caso singular: averiguar quién ha destrozado un cántaro en el dormitorio de la joven Eva, y el principal sospechoso es su prometido Ruprecht. Sin embargo, el auténtico causante no es otro que el mismo juez Adán, quien se valdrá de las más grotescas argucias para salvaguardar su supuesta inocencia en esta extraordinaria comedia. Por su parte, “El terremoto en Chile” narra las desventuras de una pareja de amantes, condenados a muerte por consumar su amor en el jardín de un convento en el que habían internado a la joven para apartarla de su amado. Por último, el lector encontrará la historia de la marquesa de O…, que ha quedado en estado sin comprender cómo ha podido suceder acontecimiento tan llamativo. Presentamos así una representativa selección de uno de los autores más relevantes del romanticismo alemán, cuya propia vida contiene las características que habrán de marcar este movimiento en toda Europa -búsqueda incansable de lo sublime, melancolía y sentimientos extremos o final trágico-, apoyadas en una amplísima formación y en un talento extraordinario.

Theodor Adorno - Minima moralia. Reflexiones desde la vida dañada.
Akal, 280 págs., 2004. $ 13.000
"Minima moralia", probablemente una de las obras más conocidas de Adorno, fue escrito en su mayor parte en los años finales de la Segunda Guerra Mundial. Con la perspectiva del intelectual en el exilio siempre presente, el autor articula en tres partes y un apéndice un corpus poderoso y coherente de aforismos, teñidos de un profundo sentimiento de desgarro, en los que aborda algunos de los ámbitos favoritos de su pensamiento, como la sociología, la antropología o la estética. El conjunto constituye, sin duda, una de las obras fundamentales de la filosofía de la segunda mitad del siglo XX, que se presenta ahora en una nueva traducción corregida y aumentada.

Theodor Adorno - Minima moralia. Reflexiones desde la vida dañada.

Akal, 280 págs., 2004. $ 13.000

"Minima moralia", probablemente una de las obras más conocidas de Adorno, fue escrito en su mayor parte en los años finales de la Segunda Guerra Mundial. Con la perspectiva del intelectual en el exilio siempre presente, el autor articula en tres partes y un apéndice un corpus poderoso y coherente de aforismos, teñidos de un profundo sentimiento de desgarro, en los que aborda algunos de los ámbitos favoritos de su pensamiento, como la sociología, la antropología o la estética. El conjunto constituye, sin duda, una de las obras fundamentales de la filosofía de la segunda mitad del siglo XX, que se presenta ahora en una nueva traducción corregida y aumentada.

Theodor Adorno - Dialéctica de la ilustración.
Akal, 320 págs., 2007, $ 13.000
Dialéctica de la Ilustración, escrita en colaboración con Horkheimer es una crítica a la razón instrumental, concepto fundamental de este último autor, o, lo que es lo mismo, una crítica, fundada en una interpretación pesimista de la Ilustración, a la civilización técnica y a la cultura del sistema capitalista (que llama industria cultural), o de la sociedad de mercado, que no persigue otro fin que el progreso técnico. La actual civilización técnica, surgida del espíritu de la Ilustración y de su concepto de razón, no representa más que un dominio racional sobre la naturaleza, que implica paralelamente un dominio (irracional) sobre el hombre; los diversos fenómenos de barbarie moderna (fascismo y nazismo) no serían sino muestras, y la vez las peores manifestaciones, de esta actitud autoritaria de dominio.

Theodor Adorno - Dialéctica de la ilustración.

Akal, 320 págs., 2007, $ 13.000

Dialéctica de la Ilustración, escrita en colaboración con Horkheimer es una crítica a la razón instrumental, concepto fundamental de este último autor, o, lo que es lo mismo, una crítica, fundada en una interpretación pesimista de la Ilustración, a la civilización técnica y a la cultura del sistema capitalista (que llama industria cultural), o de la sociedad de mercado, que no persigue otro fin que el progreso técnico. La actual civilización técnica, surgida del espíritu de la Ilustración y de su concepto de razón, no representa más que un dominio racional sobre la naturaleza, que implica paralelamente un dominio (irracional) sobre el hombre; los diversos fenómenos de barbarie moderna (fascismo y nazismo) no serían sino muestras, y la vez las peores manifestaciones, de esta actitud autoritaria de dominio.

Harun Farocki - Desconfiar de las imágenes.
Caja negra, 320 páginas, 2013.
Desde su primer cortometraje en 1966, Harun Farocki ha producido una vasta obra en la que la escritura y el cine son concebidas como actividades complementarias con las que interrogar la producción de imágenes de la sociedad contemporánea. Farocki pertenece a la generación posterior a la de los prominentes directores del “Nuevo Cine Alemán” –como Wenders, Fassbinder y Herzog–, a quienes desde la revista Filmkritik, que dirigió entre 1974 y 1984, acusó de “conformarse con la idea que todo el mundo tenía acerca de lo que se suponía que tenía que ser el cine”. En contraposición a esta tradición, tanto sus películas documentales o ensayos cinematográficos como sus más recientes video-instalaciones hacen uso de recursos formales propios del situacionismo, la nouvelle vague francesa y el cine directo para producir un montaje crítico capaz de denunciar la violencia inscrita en las “imágenes del mundo” generadas por artefactos aparentemente “neutrales” e “inocentes” como las cámaras de vigilancia de los centros comerciales y de las prisiones, los noticieros, las publicidades y los videoclips, los simuladores de combate o las imágenes emitidas por los misiles teledirigidos.
Desconfiar de las imágenes se propone trazar una suerte de “biografía intelectual” a partir de una selección de textos publicados por Harun Farocki entre 1980 y 2010 en revistas, diarios, libros y catálogos de exhibiciones en museos y galerías. Estos ensayos reflejan y extienden los conceptos y líneas de investigación involucrados en su obra cinematográfica, examinando un extenso inventario de dispositivos técnicos y regímenes visuales que, lejos de simplemente representar la realidad, configuran la experiencia que hacemos del mundo contemporáneo.

Harun Farocki - Desconfiar de las imágenes.

Caja negra, 320 páginas, 2013.

Desde su primer cortometraje en 1966, Harun Farocki ha producido una vasta obra en la que la escritura y el cine son concebidas como actividades complementarias con las que interrogar la producción de imágenes de la sociedad contemporánea. Farocki pertenece a la generación posterior a la de los prominentes directores del “Nuevo Cine Alemán” –como Wenders, Fassbinder y Herzog–, a quienes desde la revista Filmkritik, que dirigió entre 1974 y 1984, acusó de “conformarse con la idea que todo el mundo tenía acerca de lo que se suponía que tenía que ser el cine”. En contraposición a esta tradición, tanto sus películas documentales o ensayos cinematográficos como sus más recientes video-instalaciones hacen uso de recursos formales propios del situacionismo, la nouvelle vague francesa y el cine directo para producir un montaje crítico capaz de denunciar la violencia inscrita en las “imágenes del mundo” generadas por artefactos aparentemente “neutrales” e “inocentes” como las cámaras de vigilancia de los centros comerciales y de las prisiones, los noticieros, las publicidades y los videoclips, los simuladores de combate o las imágenes emitidas por los misiles teledirigidos.

Desconfiar de las imágenes se propone trazar una suerte de “biografía intelectual” a partir de una selección de textos publicados por Harun Farocki entre 1980 y 2010 en revistas, diarios, libros y catálogos de exhibiciones en museos y galerías. Estos ensayos reflejan y extienden los conceptos y líneas de investigación involucrados en su obra cinematográfica, examinando un extenso inventario de dispositivos técnicos y regímenes visuales que, lejos de simplemente representar la realidad, configuran la experiencia que hacemos del mundo contemporáneo.

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